Gustav Klimt

"Le Baiser" est l'œuvre la plus célèbre de Klimt et l'une des images les plus iconiques de l'art occidental. Créée à l'apogée de sa période dorée, elle représente un couple enlacé dans une étreinte passionnée, leurs corps enveloppés dans des robes ornementales éclatantes d'or. Fait extraordinaire : le tableau fut acheté par l'État autrichien avant même d'être terminé – succès rarissime pour l'époque ! La femme serait Emilie Flöge, la compagne de Klimt, et l'homme serait Klimt lui-même. Remarquez les motifs : l'homme porte des rectangles (symboles masculins de force), la femme des cercles et des fleurs (symboles féminins de douceur). Le pré fleuri sur fond doré évoque le paradis. Klimt utilisa de vraies feuilles d'or, créant un effet de mosaïque byzantine. Cette toile synthétise amour, érotisme et spiritualité dans une harmonie parfaite.

Hygeia est la déesse grecque de la santé, fille d'Asclépios. Ce tableau faisait partie d'un grand panneau décoratif commandé pour l'Université de Vienne, intitulé "La Médecine". Le projet fut scandaleux : au lieu de glorifier la science médicale, Klimt montra la maladie, la vieillesse et la mort ! Hygeia, au centre, tient le serpent d'Asclépios, symbole médical encore utilisé aujourd'hui. Sa robe dorée ornée de motifs géométriques est typique du style Klimt. Les nus allégoriques en arrière-plan choquèrent l'université qui refusa finalement le tableau ! Klimt, furieux, racheta lui-même ses panneaux. Tragiquement, ces œuvres furent détruites par les nazis en 1945, brûlées dans un château autrichien. Seules subsistent des photographies noir et blanc et quelques fragments. Cette reproduction permet de garder vivant un chef-d'œuvre perdu.

Ce fut le dernier tableau de Klimt, laissé inachevé sur son chevalet lorsqu'il mourut de la grippe espagnole en février 1918. La jeune femme au kimono tient un éventail, témoignant de l'influence du japonisme sur l'art viennois. Contrairement à ses portraits dorés antérieurs, celui-ci utilise des couleurs vives et un style plus libre, presque fauve. Le fond décoratif foisonnant de motifs floraux contraste avec le visage finement modelé – mélange caractéristique de Klimt entre réalisme et ornementation. L'identité du modèle reste mystérieuse, peut-être une danseuse asiatique. Le tableau inachevé a une qualité particulièrement poignante : on voit les zones encore en esquisse, révélant la méthode de travail de Klimt. Cette œuvre montre qu'à 56 ans, Klimt continuait à évoluer, explorant de nouvelles voies colorées qu'il n'eut pas le temps d'achever.

Ce tendre portrait d'un bébé dans son berceau fut peint dans les dernières années de Klimt. L'enfant est enveloppé dans un tissu orné de motifs géométriques colorés, caractéristiques du style tardif de l'artiste. Contrairement aux portraits dorés de sa période célèbre, cette œuvre utilise une palette plus douce et intime. Le fond décoratif foisonne de carrés, triangles et cercles aux couleurs vives – l'influence de l'art populaire autrichien et des quilts américains que Klimt admirait. Cette attention portée aux enfants était inhabituelle dans son œuvre, généralement centrée sur les femmes adultes sensuelles. Le tableau dégage une tendresse et une innocence touchantes. Klimt, qui eut plusieurs enfants illégitimes avec ses modèles, montrait rarement cette facette paternelle dans son art. Cette œuvre révèle un Klimt plus doux, loin de son image sulfureuse.

Ce portrait inachevé de Johanna Staude fut l'un des derniers travaux de Klimt. Johanna était l'épouse d'un industriel viennois fortuné. Le tableau montre le processus créatif de Klimt : le visage est minutieusement achevé avec un réalisme photographique, tandis que le corps et le fond restent en esquisse. Cette technique permettait à Klimt de perfectionner d'abord la ressemblance du visage lors des séances de pose (qui ennuyaient profondément ses modèles !), puis de travailler seul sur les parties décoratives. Les motifs floraux esquissés montrent qu'il prévoyait un fond luxuriant. La robe devait probablement recevoir des ornements dorés ou colorés. L'état inachevé rend le tableau paradoxalement fascinant : on voit le squelette de l'œuvre, la construction sous-jacente. C'est une fenêtre sur l'atelier de Klimt, révélant ses secrets de fabrication.

Cette œuvre énigmatique montre un enchevêtrement de corps féminins nus dans un tourbillon de tissus ornementés. Au centre, une jeune femme endormie (la "vierge" du titre) est entourée d'autres figures dans diverses poses d'abandon. L'interprétation symbolique est complexe : cycle de la vie féminine ? Rêve érotique ? Allégorie de l'innocence entourée par l'expérience ? Klimt ne donnait jamais d'explications claires. Les motifs décoratifs – spirales, triangles, cercles – créent un fond kaléidoscopique hypnotique. Les corps s'entremêlent dans une intimité troublante, typique de la sensualité klimtienne. Cette toile provoqua un scandale à Vienne pour son érotisme suggestif. Aujourd'hui au Národní galerie de Prague, elle fascine par son mélange de décoration luxuriante et de psychologie féminine mystérieuse. Klimt créait un monde onirique où beauté, désir et ornementation se fondent en une vision unique.