Paul Gauguin

Ce tableau montre deux jeunes femmes tahitiennes dans une pose intemporelle. L'une offre des fleurs, geste symbolique de bienvenue dans la culture polynésienne. Les couleurs sont d'une intensité vibrante : les chairs brunes, les paréos aux motifs vifs, le fond tropical luxuriant. Gauguin mélangeait observation réelle et reconstruction idéalisée. La Tahiti qu'il peignait était en partie imaginaire – un paradis perdu qu'il recréait par la couleur. Les deux femmes regardent dans des directions différentes, sans communication apparente, suggérant une mélancolie sous-jacente. Cette ambivalence traverse toute son œuvre tahitienne. Détail controversé : Gauguin prenait pour modèles (et compagnes) des adolescentes tahitiennes très jeunes – pratique scandaleuse aujourd'hui mais malheureusement courante dans le colonialisme de l'époque. Cette dimension éthique problématique hante la réception actuelle de son œuvre.

Le titre tahitien signifie "Eaux Délicieuses". Le tableau montre trois femmes près d'un cours d'eau dans un paysage édénique. Les couleurs sont irréelles : rose shocking, jaune intense, vert émeraude. Gauguin ne cherchait pas le réalisme mais la création d'un monde spirituel parallèle. La composition est frontale, presque hiératique, rappelant l'art égyptien que Gauguin admirait. Les femmes semblent figées dans une éternité tropicale. À Paris, ces couleurs violentes choquaient : les critiques trouvaient son style trop "barbare". Mais c'était exactement ce que Gauguin cherchait : échapper aux raffinements de l'art occidental pour retrouver une expression plus primitive et directe. Il écrivait : "La civilisation me quitte peu à peu. Je commence à penser simplement." Ces Eaux Délicieuses sont un rêve de pureté originelle – un rêve que la vraie Tahiti colonisée ne pouvait plus offrir.

Peinte avant son départ pour Tahiti, cette nature morte montre Gauguin encore sous influence impressionniste mais déjà en train de s'en libérer. Les pivoines explosent en touches de rose, blanc et rouge vif. Le fond sombre fait ressortir l'éclat des fleurs. Gauguin simplifie les formes, les aplatit, accentue les contours – techniques qu'il développera pleinement en Bretagne et à Tahiti. Cette période transitoire est fascinante : on voit l'artiste chercher sa voie. Il avait déjà abandonné sa carrière financière mais n'avait pas encore trouvé son style révolutionnaire. Les natures mortes lui servaient de laboratoire pour expérimenter couleur et composition. Moins de dix ans plus tard, il peindrait des scènes tahitiennes qui changeraient l'histoire de l'art. Mais ici, dans ce modeste bouquet, on voit déjà pointer la révolution à venir.

Cet autoportrait fut dédié à Eugène Carrière, peintre symboliste ami de Gauguin. Le visage émerge d'un fond sombre, expression grave et déterminée. Gauguin se représente en artiste tourmenté, incompris. Les couleurs sont sourdes, la touche expressive. Cette œuvre date de la période cruciale avant son premier départ pour Tahiti. Gauguin se cherchait, oscillant entre Pont-Aven et Paris, rêvant déjà d'exotisme et de fuite. L'autoportrait montre un homme à la croisée des chemins, conscient de son génie mais rongé par le doute et la pauvreté. Il écrivait à cette époque : "Je suis un grand artiste et je le sais. C'est parce que je le sais que j'ai enduré de telles souffrances." Cet ego démesuré cohabitait avec une réelle détresse. Le regard fixe du portrait interpelle : c'est un homme qui sait qu'il va tout risquer pour son art.

"Nave Nave Mahana" signifie "Jours Délicieux" en tahitien. Le tableau montre des femmes tahitiennes dans un paysage paradisiaque, avec en arrière-plan une statue de divinité polynésienne (largement réinventée par Gauguin !). Les couleurs sont d'une intensité hallucinante : jaunes éclatants, rouges profonds, verts luxuriants. Gauguin mélangeait mythologie maorie (qu'il réinterprétait librement), observation réelle, et pure imagination. Le tableau illustre son rêve tahitien : harmonie entre humains, nature et dieux. Mais c'était un rêve – la vraie Tahiti était bouleversée par la colonisation française. Gauguin peignait un paradis perdu qui n'avait peut-être jamais existé. Cette tension entre idéal et réalité traverse toute son œuvre océanienne. De retour à Paris en 1893 pour vendre ses toiles, il fut déçu par l'accueil tiède. Il repartit définitivement pour les îles en 1895, fuyant une Europe qui ne le comprenait pas.

Une autre variation sur le thème des femmes tahitiennes, témoignant de l'obsession de Gauguin pour ce sujet. Les deux figures sont monumentales, presque sculpturales. Les paréos aux motifs géométriques contrastent avec les chairs aux tons chauds. Le fond est simplifié à l'extrême – larges aplats de couleur pure. Gauguin appliquait ici totalement sa théorie synthétiste : abolition de la perspective, simplification des formes, couleurs non-naturalistes. Cette approche influencera directement Matisse et les fauves quelques années plus tard. Les femmes semblent figées dans une éternité tropicale, icônes d'un monde idéalisé. Gauguin cherchait dans ces tableaux à capturer ce qu'il appelait "le mystère tahitien" – une spiritualité primitive qu'il opposait au matérialisme européen. Illusion ou vision authentique ? Le débat continue, mais l'impact artistique est indéniable : Gauguin a ouvert la voie au primitivisme qui marquera tout l'art du 20e siècle.